北美館 女性藝術家 飛地



飛地：一部自傳的誕生｜臺北市立美術館
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11.23 今天也是同時快樂又憂鬱的小狗

策展人｜蕭琳蓁
展覽時間｜2024/10/05 - 2024/12/15

北美館新典藏庫房即將啟用，「飛地」以館藏中28位女性藝術家，近112組作品與文獻，展現「她們」獨特的對於自由的、對於自我的探索，關於女性（womanhood）、母性（motherhood ）、家（家庭與國家）、暴力以及社會的思考，藝術家指出也提出了問題，以女性的角度和藝術的語言回應那些問題。

「飛地」的原文是「enclave」，展覽論述說明直譯為「上鎖的空間」。『以此比喻創作者的內在狀態，指向一個能自主屏蔽的安全意識空間，使其在外力干預或情感波動下，仍能保持內心的寧靜與堅定。』

上鎖的房間這樣的說法卻給我一種壓抑的感覺，而「飛地」作為一人文地理概念，表示一塊同時被包圍也同時孤立於其他領土之中的地方。

因此，以「飛地」為題，藉著《燈塔行》串連起窗、歲月流逝與燈塔等三個篇章作為展覽子題，集結也聚焦於自1950年代萌芽、70-90年代開始與西方對話，以及X世代與之後的女性藝術家作品，對我來說是很有意思的展覽策略，好奇如何架構也好奇這些藝術敘事如何與自傳體小說互相呼應。

入口的第一件作品，在展牆之後有一方粉紅色。尹錫男在40歲之後才開始創作，以藝術的方式回顧女性經驗，梳理女性所遭遇的困境與難處。但藝術家卻沒有描繪自己的自信，反而選擇去說母親的生命故事以及不安和孤寂的情緒。大把的散落一地的粉紅色與透明彈珠是淚水與汗水，椅子則代表了女人在社會中、在家庭中被動、失語的地位。應該柔軟的沙發坐墊被材質堅硬、形狀尖銳之物刺穿，女人只能委屈在角落。

粉紅色鮮明亮眼卻也給人一種不安定的感覺，展場（必要）拉起了請勿跨越的界線，同時讓這個女性空間更有被侷限在角落的意味。

（QR code顯示不清，難以讀取有點可惜⋯⋯不過還是可以透過app輸入號碼聆聽語言導覽。）

主視覺是鄭瓊娟的《空》。鮮豔的橘色和深邃的藍，對比強烈卻不激烈，還有白雲飄過。

這次展示表現出藝術家創作風格與關懷的變化，由構圖嚴謹、筆觸厚實、色彩暗沈的靜物與強調光影和空氣流動感的風景對比，更凸顯出後期抽象作品中明亮、流暢又開放的能量。


好愛看創作者的素描本

有趣的是這幾位藝術家筆下充滿生命力與延展性的「細胞」都很像是神經突觸一樣，有核心，還有拉長而顯得尖而且細的線條。

依序是鄭瓊娟的《心》與黃潤色的《作品64-A》。

李錦繡所紀錄下來的日常起居空間中總是有自己「在場」，或許是以色彩點亮的小凳子，或許是自己的腳、繪畫中的手和筆記本，並且以此作為前景拉出「空間」。

好喜歡充滿節奏感的黑色筆觸勾勒線條，以及大量留白，採用了平的色塊表現「中間」的空間！

這裡的粉紅是柔和、舒服的粉紅色。畫面中都有植物，柔軟的枝椏，柔軟的線條，生命柔軟。桌上的蠟筆是真的一盒蠟筆，在美術館的打光之下印出一塊邊緣整齊乾淨的黑影。

晚年在安寧病房裡，對丈夫、父親、母親、弟媳以暖橘、淡紅畫下的肖像也很動人。

我有看到那個喔！（哪個

以上屬於〈窗〉。很喜歡窗位於「中間」的意象

『窗作為家屋與外界相遇的媒介，既是家中由內向外想望世界的起點，也是外界窺探家中樣態的途徑。透過窗，一幕幕生活次第映現，正是家這個容器的日常風景。』

而透過風景，揭示自我與家、與周遭（記憶與事物）以及與個人身分之間的關係。

接下來的篇章是〈時光流逝〉，以王雅慧的錄像裝置展開。看似寧（凝）靜的畫面投影在牆壁上，以光影和線條創造界線，悄悄地改變了也延伸了美術館內封閉的空間。

出生韓國的張相宜見過戰爭，曾經在防空洞裡，透著霧氣目睹死亡。線條、墨點與色塊交疊出舞動的節奏感。雖然是以墨色渲染的平面作品，卻令我聯想起之前在亞雙看到的〈夢境大衣〉。舞蹈與旋轉，深淺與濃淡。


國美館

九個圓點（原點）是在畫作最後再加上去的，是創作者有意識的選擇，覆蓋一些紋理，遮去一些痕跡，以徒手畫圓這個「動作」強調出某種極度專注的狀態。

《核心與邊緣》是薛保瑕回國之後的第一件作品，濃郁的橘色和紅色顏料留下了流下的水痕，畫面不大卻充滿了危險的意味。漁網的網繩也是紅色，與金屬框反射著泛白的光形成對比。


又是神經（細胞），但沒有明顯的核心，反而突顯出「網絡」的張力與複雜。

水墨作品好看的地方（或者說讓我著迷的地方><）在那些潑濺、滴灑、流動、刷、塗和水暈開的痕跡。


還有這裡！紙好薄，因為潮濕而凹凸不平。

顏料、畫布與框拼圖，增加了新的維度，也增加了新的觀看方式。畫成為了具有立體性、空間性的雕塑，畫布的張力、纖維的彈性、顏料的厚度、塗抹、拉扯、擠壓、疊放、翻折的力道，這些過程全被賦予在材料裡頭（還有那些被室內燈光打下，投出來的光影），然後呈現在觀眾面前。

《似停非停》是1997年的作品。羽毛意味自由，而且是潔白的完整的羽毛，光澤油潤，形狀美好，關在玻璃盒子裡，緊緊密密地。輕盈柔軟的羽毛，凸顯質地硬、有銳利邊角的幾何造型（反過來也是如此）。大量堆積起來的擁擠的樣子也讓我想起那些關於死亡的展示，特別悲傷。

1992年的《默照》是規矩的長方形，壓克力盒子裡塞滿了棉絮，棉絮以淡金色的繡線固定，繡線以針固定。一顆一顆細小的針頭是機械式的標準圓形，數量龐大，仔細去看之後便再也無法忽視，這些柔軟的彎繞的交纏的有機的線條是以針固定下來的啊。

『

燈塔象徵目標、意義，以及生命的探尋。此子題盼呈現女性藝術家對自身環境及未來的懇切關注，包含對集體創傷、權力關係、社會荒謬的觀察與體悟。她們透過不同時空背景的經驗，對自然、社會、經濟與政治等議題進行反思，並藉由創作凸顯外在變化對情感層面的影響，同時思及周遭與內在，呈現對身體、身分與文化意義的追索。

』

『

男人的歷史改寫了——暴民可以變成英雄，那麼女人的故事呢？

』

我終於看見這件作品了，原來ㄇ字型的半封閉空間是這個樣子，原來磨砂玻璃上的文字是這個樣子，原來反覆拍擊礁石的海浪是這個樣子（我還想再去聽一次）。

但是（想到最近），我好痛苦。

伊通公園 ITPARK

也是終於，我能在攝影集之外看見，畫框、貼紙、筆記、標籤，標籤。重複紀錄，然後排列。

在影像作為紀錄，文字作為標記之外，《青春編織曲》也包含了「行動」。1997年時，侯淑姿以自己製作的標籤交換觀眾身上穿戴的衣物標籤，邀請觀眾「主動」成為藝術作品完成的一部份。

作品包含歷史照片、刺繡工藝和「行為」，缺一不可。挪用影像，再以針線去刺穿（同時也是縫補）、去破壞（同時也是添增、上色）。行為的部分則是指個展期間，侯怡亭邀請了數名刺繡工作者於現場「打卡上工」，以這樣的舉動呼應黑白照片中的勞動群體，超越了觀眾對歷史紀錄單方向的閱讀角度，介入歷史也介入現在。

最後一件作品的（再次）展示方式很有趣欸！

『《入侵系列：冒險故事》是希維拉為2006台北雙年展製作的大型現地裝置。她將約十五英寸的黑色巨型腳印作為視覺語彙，以「入侵」姿態踏足美術館的外牆，幽默地改變了展示空間的使用方式，顛覆觀者對空間的既有認知。』

「飛地」再現這些可愛的腳印，卻聰明地改變了路徑，將腳印從展場內部向「出口」延伸。

我忍不住聯想，或許是週六的緣故，有不少親子觀眾，看到孩子們可可愛愛地在對他們來說很寬敞的空間裡跑跑跳跳，他們看到藝術作品感覺好奇、驚喜、興奮地想去靠近（當然被爸爸媽媽撈回來了）等等，真的覺得好開心喔

『謝謝！謝謝⋯⋯這是第一次我擁有自己的房間。』

（留）

（留）

希望在展期結束之前有空再去一次&這次要留足夠時間和體力給《喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道》

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